南宋绘画有何特别之处,南宋绘画描绘的意境是怎样的?
南宋的绘画美在哪里？南宋绘画最大的特点是什么？这是很多读者比较关心的问题。接下来古宫历史网小编就来和读者一起了解，给你一个参考。
南宋绘画在画风上表现出明显的变化，讲究条条框框的剪裁，巧妙地运用大图空白来突出生动的意象，画面效果含蓄凝练，凝练而富有诗意，意境优美，是无声的。
南宋时期，画家们非常注重日常生活的美，大多与他们游历山川所创作的现实主义作品有关。但在大多数作品中，我们其实都能找到南宋画家绘画的相同特点，比如作品中大量的留白效果，画家运用“马、”的边角构图的技巧，这些极端空精神的绘画状态，都表现了当时画家崇尚自然、质朴的态度。画家喜欢在绘画时体现出静穆的审美观。沉默包括世界。通过了解自我的世界，画家可以找到整个世界，甚至整个宇宙。
“和而不同”是日本传统文化中一种独特的审美意识，这一概念是由日本战国时期的茶道大师仙野理次提出的。14世纪，日本茶道专家“森no Rikyū”开始将静寂与茶道结合，用极其简单的茶具代替昂贵的茶具，让人感受到静寂之美，这就是静寂美学的起源。
一般来说，沉默是指空空虚寂寞的美。极简主义是美学的核心目的，体现了粗糙、不完美、不完美、无常、低调的状态。今天也泛指简单、寂静、自然等含义。当这种审美形式运用到茶道中，就没有了对点缀的追求。
禅宗也讲寂静之美，源于小乘佛教中的三法印，即无常、虚无、涅槃寂静，这是禅宗探讨人生无常、无奈的哲学思想，所以寂静也可以解释为“禅寂”。
禅宗中的寂静是一种不重视装饰的审美形式。也叫“物之禅”，是日本人对待事物的极简态度，心态，世界观。到了近代，孤独的审美意识不仅体现在日本的禅宗和茶道中，在日本的庭院中也得到了充分的实践，尤其是在干景庭院的风格表达中，其观念得到了充分的发挥。源于禅宗的静寂美学有“去一切不必要之物”的思想，由此可见静寂美学与禅宗密不可分的关系。
南宋画家牧溪在中国的作品不多，却传到了日本。江户时代的日本收藏家甚至将木西的作品视为珍宝。后来木西的作品在日本绘画史上获得了很高的地位。日本松坂美浦评价木西的画是这样的:“都是用杂文和墨水做的，意为简单朴素，没有点缀。”这种孤独的审美意识在木西的绘画中得到了极大的体现，如《松猿图》、《潇湘八景》、《蒲元归帆图》、《六个柿子图》等，都表现了孤独之美，尤其是《松猿图》对日本禅画的影响最深。
另一位南宋画家梁楷也有禅画的特点，如六祖竹画、泼墨游仙、太白唱和、西寒鸦疏柳、沙加画山轴等。元代夏曾在《画宝图》中评论梁楷的作品。他说:“梁楷，东平后项Xi。善画人物、山水、道佛、鬼神，师从贾师古，描写飘逸，青涩得发青。嘉泰画院奉圣旨，赐金腰带，不服，挂在院中，走了。我嗜酒如命，叫梁凤子。院中人赞叹其笔之精美，而传世者皆潦草，意为减笔。”
此外，南宋的其他画家，虽然没有画禅的意思，但也在画中表现出这种静穆的审美观，与禅画有异曲同工之妙。画中大量的留白突出了多种象征意义，如马援的《山径春行图》、马林的《夏日莲香》、夏贵的《西山清源图》、小昭的《山坡楼观图》等。
由此可见，寂静之美为南宋画家所喜爱，多与顺应心性、再现自然、不矫饰的不完全美感有关。画家通过观察外部世界，认识到生活的美好，并感知到充满繁荣的生活态度。他们画禅，修行佛法。这种带有时间感的孤独画，通过南宋画家笔下的这种苍凉极简的笔墨氛围，可以将孤独之美发挥到极致。
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